<div id="center_tip"><b>最新网址：www.</b>朗朗很快坐到了钢琴前，显然对这种情况并不陌生。

稍稍活动了下双手十指，习惯性地静了片刻后，朗朗开始演奏起了这首著名的《帕格尼尼主题狂想曲》

朗朗的演奏风格仍然是那么张狂和充满激情，虽然这首曲子在一开始都是很灵巧的单音，但朗朗那招牌式的双臂的大动作加上身体的大幅摆动，还是显示着他对力度层次的要求。而那脸上痴迷的神情，却在显示着他此刻是多么投入。

对于朗朗演奏时略显夸张的表情，一直是乐迷们争论不休的问题。喜欢朗朗的人很欣赏他的这种表情，认为是对音乐的全情投入。不过也有很多人批评说，朗朗过于做作。当然，现在的朗朗远远没有达到那么有名的程度。

格拉夫曼站在钢琴旁边，左臂随意地撑在钢琴的背板上，目光落在朗朗在琴键上四下飞舞的双手上，时而抬起头看着朗朗的面部表情。对于朗朗的夸张表情，格拉夫曼倒是没有表现出不满，可见他还是比较认同朗朗这种演奏方式的。对于这一点，我也觉得没有什么，毕竟美国人的个性大多数都是热情而奔放的，这一点不但体现在他们的做人上，同样也体现在他们的音乐上。

这首《帕格尼尼主题狂想曲》演奏形式是钢琴与乐队。由于音乐教室现场并没有小型乐队的配合，也没有播放交响乐的伴奏录音。因此朗朗的演奏咋一听上去，会显得时断时续。不过在教室中坐着地都是对音乐十分了解的学生。自然知道朗朗的一些停顿，是在等待着乐队部分的时值。有地时候这里的时值特别长，如果没有参照的话，便很不容易把握准确。因而经常可以看到朗朗在不弹的时候，嘴里还在不停地念叨着什么，身体还跟着有节奏地摆动，我知道。那是他在轻轻哼唱着乐队的节奏。

《帕格尼尼主题狂想曲》的音乐主题取材于天才的小提琴家帕格尼尼的第24首小提琴随想曲，但其作者却是俄罗斯的著名作曲家拉赫马尼诺夫，这就必然使得这首狂想曲带有明显地俄罗斯民间音乐风格。全曲在单一的音乐主题上，一共进行了24次变奏，可以说是极尽炫技之能事。这首作品虽然不是拉赫马尼诺夫所有作品中，最难的一首。然而在知名度上，却远远超过他的其他作品，甚至比钢琴界公认的最难演奏的“拉三”（拉赫马尼诺夫第三钢琴协奏曲）还要出名。正如一位音乐评论家据说：假如拉赫玛尼诺夫所有的音乐都被世界遗忘了，最后剩下的也会是《帕格尼尼主题狂想曲》。

看着朗朗的演奏，钢琴旁边的格拉夫曼，也偶而跟着打着手势，甚至会跟着模唱乐队的部分，看上去显得是那么随意，丝毫没有一位老师的架子。然而那些在底下看着的学生们，却丝毫没有在意这个。我注意到，几乎每一位学生。此刻脸上都是一副专注的神情，认真地看着舞台中央正在演奏的朗朗。这样的情形。让我再度在心中感叹了一番，看来柯蒂斯音乐学院在音乐界享有盛誉，确是有其不凡之处，单看这高度的自觉性，就能够看出来，能够坐到这儿的学生，每一个都不是泛泛之辈。当然，我也知道这所学校招生之严格，每年仅5%的入学率，使得在这里求学的难度，甚至高于哈佛、剑桥等这样的世界知名学府。

将近三十分钟的演奏，朗朗手下的音乐，始终如同行云流水一般，不见一丝生涩，当最后一个主题的变奏在朗朗手下结束时，静寂的音乐教室里响起了一阵掌声。而虽然是课堂，朗朗仍然表现出了在舞台上一样的礼貌，起身向教室里的同学们鞠躬示意，随即在格拉夫曼的示意下，回到了他自己的位置上。

不长的一段路，朗朗却迎接了无数崇拜的目光。柯蒂斯的学术氛围十分浓厚，在这里，所谓的民族、种族歧视几乎不存在，无论你是黄种人、黑人或是白人，只要你有足够好的技术，就会得到人们的尊敬，反之，就算是你有再显赫的背景，再多的金钱，在这儿也得不到别人的崇拜。

同学生们的热情反应相比，格拉夫曼的脸上却显得十分冷静，只是简单地说了一句谢谢朗朗的演奏，便再没有其他的了。随后，他再次坐到了钢琴旁，开始了对这首曲子的讲解。

格拉夫曼的讲解很简洁，但每一句却都切中要害。在他讲了不长时间后，我就惊讶地发现，格拉夫曼刚刚讲的，几乎包括了朗朗刚刚那近三十分钟演奏的每一个关键的细节。大到乐曲风格的把握，小到一个乐句的层次与力度控制，格拉夫曼都可以轻易地讲出来。当然，如果仅仅是这一点，还不足以让我感到惊讶，我真正吃惊的，是格拉夫曼每讲一处技术难点，总会随手在钢琴上弹上一段儿，而切入点，几乎是包含了整个乐谱中的每一处细节。而无论是在哪里，对于乐谱上所标记的力度、速度、表情等等要求，格拉夫曼总是能够无比精准地讲出来，并用具体地演奏来为他所说的做解释，这就不能不让我感到惊讶了。因为对一个钢琴教师或是演奏家来讲，一首奏鸣曲或是回旋曲，能够做到这样的程度并不是什么难事，然而这却是一首近忽于协奏曲性质的乐曲。近三十分钟的演奏，其中绝大多数的部分还是极快的华彩炫技，我清楚，这首曲子光是乐谱，就得将近一百页！要精确地记住乐谱上的每一处细节，这得需要多大的功夫？这其间的难度，不言而喻。

也许有人会问。那朗朗刚刚不也是背谱演奏出来了吗？其实这里就涉及到了一个在钢琴演奏中常见的术语，叫肌肉记忆。一般来说。如果让一个人背谱演奏出这样一部规模宏大的作品，只要是职业的钢琴家经过两、三周左右的时间，都可以做到。不过要想一处不错的默写出乐谱来，那就不是两三周的问题了。或许需要数倍地时间，也不一定有人能够做得到。原因很简单，就是因为肌肉记忆。一首音乐作品从开始熟悉到演奏，演奏家们需要用多种记忆方式。包括旋律记忆、节奏记忆等等，但最终占最重要位置的记忆，则是肌肉记忆。在达到了这样一个程度后，演奏就成为了一个本能的活动，乐谱的一切细节在演奏者脑中被模糊化，变成一种近乎本能地反应。而在此基础上，演奏者可以将更多的精力放在对乐曲情感的把握上，就是所谓的二度创作。

说到这儿，可能有的人就明白了，其实对于演奏者来说，能够熟悉地从头到尾演奏出一首曲子容易，但像格拉夫曼这样，任意挑出一个地方来，都可以熟练地演奏出片断。并且说出他的技术要求。这可比单纯地演奏一遍要难得多了。

而从格拉夫曼地讲解中，我也感觉到了格拉夫曼那深厚的钢琴知识，和一些老师上课时故弄玄虚或是长篇大论不同，格拉夫曼的讲解十分直观，总是用最简单的话切中要害。说教的东西不多，一切都从实际演奏的角度出发。这样的讲解，让我听得大为过瘾，经常感到有一种耳目一新的感觉。

格拉夫曼的讲解一共持续了近四十分钟，在他讲讲弹弹之下，这首堪称大型的钢琴作品，几乎所有的重点部分，都被他讲解了一遍。就算是第一次接触这首作品的学生们，听了之后，也对整首作品的架构有了一个十分清晰的理解。我十分清楚，格拉夫曼这仅仅四十分钟的课，信息量十分大，如果完全消化掉，恐怕就算是以我现在的钢琴水平，也需要至少一个星期。然而，我却完全相信，经过一个星期的练习后，我在这首曲子上的水平就算及不上格拉夫曼，至少也可以达到朗朗刚刚演奏时的程度。这完全得益于格拉夫曼这种一切从演奏出发的讲课方式，使每一名学生从一开始就选择了一条最正确的道路。

格拉夫曼离开了教室，然而大多数学生的脸上，还是一副意犹未尽之色，更有些人已然走到了舞台之上，坐到钢琴前演奏了起来，激烈的讨论之声显示出了浓厚的学术氛围。

“行啊你，这么长的曲子，说弹就弹出来了，厉害。”两个人朝外面一边走着，我笑着对朗朗说道。